Gillman - Escalofrío II... La Conclusión

Antes de hablar del disco que nos ocupa, y como supongo, habrá gente que no conozca esta banda, vamos a presentarla un poco.
El nombre de la banda hace referencia a su líder y creador, el venezolano Paul Gillman. Paul Gillman es uno de los personajes mas relevantes dentro del rock y heavy metal latinoamericano. En 1977 y bajo el nombre de Power Age se crea la que mas tarde (concretamente en 1981) seria la banda pionera del Heavy Metal en Venezuela; Arkangel.
En 1984, Paul Gillman comienza su carrera en solitario. Con varios discos en su haber (este supone su décimo trabajo de estudio), destaca el álbum de 1994 titulado Escalofrío. Utilizando un contexto mas propio de la radio, la idea y el concepto que el álbum recoge me parecen absolutamente brillantes. Ha habido bandas que han hecho trabajos basándose en el concepto del terror. Discos "dedicados" a personajes literarios de terror, etc... Pero lo que Gillman proponía en este álbum iba mas allá. Un trabajo conceptual (o casi, pues los últimos temas eran covers de bandas como Barón Rojo, Black Sabbath o los propios Arkangel) donde cada tema es introducido por la narración de Porfirio Torres (conductor del programa Nuestro insólito Universo. Mítico programa en Venezuela), quien con una estupenda dicción e interpretación de lo narrado y acompañado de efectos de sonido, hacían que el oyente se viera imbuido en la historia, que a continuación se veía explicada en forma de canción.
Son las palabras de Porfirio Torres en la intro de esta continuación de aquel primer disco, las que explican el concepto de los relatos que conforman el trabajo: "Donde los sorprendentes relatos de nuestro imaginario colectivo se mezclan junto con el folklore, la ficción y los personajes reales ya convertidos en mitos y leyendas, no solo en Venezuela, si no en fronteras que se encuentran mas allá."

Y ahora, dieciocho años después llega la segunda parte de aquel magnifico álbum; Escalofrío II... La Conclusión. Con el cual parece cerrar la puerta a un siguiente álbum dentro de estos términos.
El guión de esta segunda parte sigue los mismos términos que su antecesor. Nuevamente con la magnifica voz de Porfirio Torres en las narraciones de las introducciones. Las diferentes y espeluznantes historias se van sucediendo en forma de muy buenos temas, muy bien ambientados, sin necesidad de samples ni de teclados. Simplemente trabajando unos temas acordes con la historia relatada, con la configuración básica de guitarra, bajo, batería y voz.
En esta segunda parte, respecto de la anterior, es evidente el salto cualitativo, sobretodo en el sonido de la banda. A nivel de producción se ha hecho un gran trabajo, dando como resultado un sonido, sobretodo de guitarras, muy bueno.
10 temas con sus respectivas intros, donde la aguda voz de Gillman (que puede recordar a José Carlos Molina), acompañado de buenos músicos, se encargan de desgranar temas que muestran las influencias del músico venezolano. Sobretodo muy patente sus influencias de Black Sabbath.
Destacables son la clásica Zombi, La veloz La Llorona, La lenta y pesada El Ánima Sola, al mas puro estilo Sabbath. La inicial Dr. Kanoche y La Bola de Fuego.
El álbum se cierra con el tema Pesadilla. Un tema aislado del concepto del álbum. Y los covers de Queen; Ogre Battle. Y de Black Sabbath; Country Girl.

Magnifico trabajo, magnifico y (aunque tenga 18 años) novedoso concepto el que resucita Paul Gillman y que muestra la calidad como músico y el acierto de mezclar un concepto radiofónico con heavy metal y hacerlo llegar al oyente convertido en un gran disco. El cual, como su primera parte, debería ser de obligada escucha y convertirse en referente y quedar para la historia. Terror y heavy unidos en una experiencia muy destacable, de manos de un excelente músico, desconocido en Europa, pero leyenda y pionero de nuestra historia en Latinoamérica.
Y que gracias a este trabajo conocemos un poco mas, parte de las historias y leyendas de Venezuela, aunque sean terroríficas.

"Antes de dormir, aseguren que sus armarios, puertas y ventanas estén bien cerradas así como también revisar muy bien debajo de la cama. No esta de mas rezar alguna que otra oración, tener a la mano un recipiente de agua bendita, un crucifijo o prender una vela a las almas. Eso es para evitar alguna visita inesperada" 

(Outro, Escalofrío II... La Conclusión)

8'5

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Bloodbound - In The Name Of Metal

Desde el comienzo de la última década y en lo que llevamos de esta, se puede afirmar que Suecia a cogido el relevo de lo que fue Alemania en los ochenta y noventa. Montones de bandas de todos los estilos y condiciones aglutinan y lideran cada uno de los diferentes géneros metálicos. Una de esas bandas son Bloodbound. Formados en 2004, supieron aprovechar la incipiente ola de bandas nórdicas del momento para coger impulso y dos años después editar su primer trabajo, titulado Nosferatu (nombre de la "mascota" que siempre sale en sus portadas) y que dio pie a un segundo trabajo; Book of the Dead (2007) el cual pareció establecer a la banda dentro del panorama musical. Diferentes cambios en la formación, idas y venidas de diferentes vocalistas parecen alterar a la banda aunque siguen sacando álbumes; Tabula Rasa (2009) y Unholy Cross (2011) para llegar a este 2012 donde un nuevo trabajo los devuelve a la actualidad.
Mirar la portada de este álbum y ver como han titulado el trabajo es una buena manera de saber las intenciones de la banda y de saber que nos vamos a encontrar dentro. In the Name of Metal huele a "remember". Un espíritu ochentero recorre el disco desde principio hasta el fin.
Es un trabajo tremendamente efectista. La mayoría de temas buscan un efecto concreto para enganchar. A base de un riffs concretos o estribillos muy pegadizos o en forma de himnos buscan hacer mella y llegar al oyente y por supuesto lo consiguen.
Y todo ello concentrado en poco mas de 40 minutos, hacen de In the Name of Metal un álbum fácil de escuchar y muy ameno.
Como no podría ser de otra manera, el disco suena muy bien, el trabajo de producción es mas que correcto, ayudando a ambientar los temas en coros, voces dobladas o determinados riffs, por ejemplo.
Eso sí, el sonido es puramente actual. No han tratado de sonar "clásicos" ni de envejecer su sonido, ni nada parecido. Es más, uno de los "problemas" del sonido de la banda es la falta de identidad propia, algo que se ha convertido en algo habitual desde hace mucho tiempo dada la cantidad de bandas que saturan la escena. Bloodbound siguen las directrices que marca el power metal sueco, a nivel de estilo y sonido, es inconfundible la escuela sueca de bandas como Hammerfall o Dream Evil. De hecho, en muchos temas la influencia de Hammerfall esta muy presente.
Como digo el álbum se muestra muy efectista y queda clarísimo muy rápido. El disco se abre con el tema que da titulo al trabajo y la sola voz de Patrik "Pata" Johansson canta el In the name of... en un tono medio para subirlo, al mas puro estilo Halford en el metaaalllllllll. Esto consigue de inmediato un lazo de unión que se va reforzando en el resto del álbum.
Por supuesto In the Name of Metal es de lo mejor del disco y su estribillo lo hará imprescindible en directo. Metalheads Unite recuerda rápidamente al tema de Manowar; Warriors of the Wolrd. Medio tiempo épico y con estribillo en forma de coros que insta a los metalheads a unirse. Otro himno que será obligatorio en directo.
King of Fallen Grace aporta su granito en forma de tema "happy" al mas puro estilo Helloween, donde destaca, como no, su estribillo. Black Devil es un tema crudo y algo oscuro con un riff que recuerda a Mercyful Fate. En Bounded by Blood es inevitable no pensar en el Princess of a Dawn de Accept, sobretodo en el arranque de la canción y en los versos. Aun así es uno de los temas destacables. También destacan When Demons Collide y Bonebreaker.
La edición japonesa del álbum contiene un tema extra. Una regrabación del tema Book of the Dead.

Una de las cosas recriminables a la banda es el excesivo énfasis puesto a la hora de buscar ese "efecto". Ese algo que te engancha a la primera y que a la vez puede ser virtud y defecto. Ahí cada cual sacará su conclusión. A mi los anteriores discos de la banda no me habían dicho demasiado y este me ha gustado desde la primera escucha.



M-E-T-A-L for metal!!!

7´5

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Anthem - Burning Oath

Poco mas de un año han tardado los japoneses Anthem en volver a ser actualidad, gracias a un nuevo trabajo de estudio, el décimo quinto, titulado Burning Oath.

La verdad es que sacar dos álbumes con material nuevo en poco tiempo no suele ser muy habitual y menos cuando se trata de una banda con algunos años a sus espaldas, como los que llevan en el negocio Eizo Sakamoto y el resto de la banda. Tratando de especular un poco, quizás han querido aprovechar un buen momento compositivo o tal vez estén a punto de cerrar una etapa; con su discográfica actual o darle algún giro musical al proyecto actual.

Dejando de especular y centrándonos en Burning Oath, hay que decir que el disco no decepciona en absoluto y que para los seguidores (entre los que me incluyo) resulta muy gratificante disfrutar de un trabajo de excelente factura.

Como no podía ser de otra manera, tratándose de japoneses, una de las cosas que mas destaca es el magnifico trabajo hecho. Sin dejar nada al azar, todo esta muy pulido. Un sonido aun más trabajado que en su anterior álbum y que engancha rápidamente y hace sonar a la banda muy, pero que muy fresca. Un sonido hecho para resistir el tiempo.

Sin grandes complicaciones de producción, obtienen un sonido claro y contundente que lleva en volandas a todos los temas. Unos temas muy trabajados. Sin tratarse de temas complejos si se aprecia como cada riff esta llevado casi al limite. Como las transiciones o puentes, que están muy pulidos para el buen desarrollo de los temas.

Pequeñas orquestaciones en distintos temas que encajan muy bien. Melodías y solos de guitarra, que rozan el virtuosismo, y que embellecen la mayor parte de los temas.

La característica voz de Eizo hace el resto. Sin ser un extraordinario vocalista, ejecuta e interpreta (mezclando japonés e inglés) cada canción dando el 100% x 100% y explotando sus virtudes al máximo.

Otra vez destacar la excelente base rítmica a cargo de; Naoto Shibata al bajo y Hirotsugu Homma a la batería.

Teniendo su anterior disco bastante fresco, uno de los "problemas" que puede presentar Burning Oath es un continuismo prácticamente total en las canciones. Tanto a nivel de sonido como de composición, la linea seguida es la misma de sus últimos trabajos, pero el hecho de tener hace tan poco un álbum anterior, no hace mas que amplificar esa sensación de continuismo total.

Aunque tratándose de un trabajo de tan buen acabado, resulta un mal bastante menor.

Se destacan diferentes temas como; la electrizante On & On. La intensa Face the Core, La inicial, single y video oficial Evil One. La rapidísima Struggle Action. Atención en Get Away a la magnifica interpretación de Eizo y a su gran solo. Y los dos mejores temas del álbum; Ghost in the Flame, un pedazo de medio tiempo (casi ocho minutos) brutal donde Eizo interpreta a la perfección y con un solo final fantástico y Unbroken Sign, un tema donde destaca su melodía vocal y una fantástica guitarra. Un canción que podría formar parte de la banda sonora de algún manga.

Excelente trabajo de una excelente banda que, como muchas otras, no goza del reconocimiento que debiera. La actual formación lleva junta desde el año 2000 y eso se nota, y mucho. Esto unido a un trabajo y dedicación por lo que hacen, dan como resultado álbumes de una excelente factura, tanto técnicamente a nivel global como en particular a la hora de ejecutar los temas.

Esperaremos expectantes el próximo movimiento de Eizo & Cia.

8

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Malice - New Breed Of Godz

Una de las miles de bandas de Heavy metal formadas en la decada de los ochenta, reaparecen con nuevo trabajo y nuevos brios para intentar hacerse un hueco en la saturadísima escena actual y conseguir lo que hace treinta años no consiguieron.

Hablamos de Malice. La banda americana, se formó en 1980 y desapareció en 1989. Dejaron un par de álbumes; In the Beginning... (1985) y License to Kill (1987) y un EP: Crazy in the Night (1989), tras el cual se disuelven.

Musicalmente Malice practicaban un Heavy metal de la época, bastante sencillito, muy orientado al metal británico y claramente influenciado por Judas Priest. A lo cual contribuían las características vocales de James Neal, el cantante de la banda en aquellos dos trabajos.

En 2006, tres de los miembros originales deciden poner en marcha la maquinaria nuevamente. En 2008 editan un álbum de rarezas llamado The Rare and Unreleased. No es hasta 2011 cuando se completa la formación con la llegada, primero del mítico cantante americano James Rivera y en 2011 del bajista Robert Cardenas.

Es así como llegamos hasta 2012 y hasta la edición del tercer álbum de Malice. El disco titulado New Breed of Godz, no es un álbum totalmente nuevo. Solo cuatro temas; New Breed of Godz, Branded, Winds of Death (Angel of Light) y Slipping Through the Cracks son totalmente nuevos. El resto son temas de sus dos primeros (y únicos) discos regrabados con la nueva formación.

La elección de James Rivera para encabezar el proyecto me parece todo un acierto. Gran vocalista, por el cual parecen no pasar los años. Un inconfundible estilo y tonos vocales y uno de los mayores "mercenarios" del mundo del metal. La cantidad de bandas por las que ha pasado y las que mantiene aun alguna actividad, hacen pensar en una total dedicación a su profesión. Helstar, Killing Machine, Distant Thunder (Welcome to the End (2004) DISCAZO!!!), Destiny's End, Seven Witches, Vicious Rumors. Estas, entre otras cuentan o han contado con los servicios del gran Rivera.

Los cuatro nuevos temas se mezclan bastante bien con los clásicos regrabados, consiguiendo un álbum, como decimos hoy día, bastante clásico. El sonido de dichos temas se podría decir que es mas cercano al Power, cosa normal al paso de los años.

De las nuevas composiciones destacan la inicial y que titula el álbum; New Breed of Godz. La powermetalera Branded y Winds of Death (Angel of Light) que se mueve entre balada y medio-tiempo.

Y de los clásicos destacan Air Attack, Against the Empire, Stellar Masters, la magnifica Godz of Thunder, con un Rivera espectacular y la no menos espectacular Hell Rider. Aunque la verdad es que la elección de los temas es bastante acertada, pues es difícil dejar fuera alguno.

Un trabajo indispensable para todo aquel que guste de composiciones añejas. Una nueva muestra de que esta música es intemporal. Canciones con cerca de treinta años y que actualizando su sonido pasan por temas de 2012 sin problemas.

Veremos si Malice preparan un disco con temas completamente nuevos. Lo que si vemos es a otra banda con treinta dos años de historia, donde la mayoría de esos años están en blanco. Diecisiete años en el olvido y mas de veinte entre disco y disco. Porque?...

En fin, esta de moda recuperar todo lo clásico y el Heavy metal no es ajeno a las modas.

8

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Rebellion - Arminius: Furor Teutonicus

La historia de Rebellion comienza en 2001, después de la salida de Uwe Lulis de Grave Digger. Junto al bajista Tomi Göttlich, el cual abandonó Grave Digger en 1997, se crea una nueva banda, la cual tras problemas legales por el tema del nombre (Lulis quería seguir utilizando Grave Digger), se opta por Rebellion (una de las canciones mas famosas de Grave Digger) dando vida así a otra banda surgida de la división de otra. Y como suele pasar, ni la una ni la otra logran la aceptación que la original por si sola tenía.
En 2002 ve la luz el primer trabajo; Shakespeare's MacBeth - A Tragedy in Steel. Un álbum conceptual, que no hacia mas que confirmar que el sonido de la banda se encaminaba en la dirección de los últimos y exitosos trabajos de Grave Digger (la famosa trilogía medieval). Con Born a Rebel en 2003, la banda cambia un tanto su apuesta y desde un sonido bastante agresivo se forjan unos temas contundentes, cortos y directos, con un Michael Seifert dejándose la garganta en cada tema y haciendo de Born a Rebel el mejor trabajo de Rebellion hasta la fecha. A partir de 2005 se inicia una nueva trilogía. Esta vez para contar historias vikingas, aunque lo único claro es que fue un error, que le ha costado la salida de la banda a Uwe Lulis y que ha alejado a Rebellion del primer plano, para sumirlos en una densa neblina llena de incertidumbre. Sagas of Iceland - The History of the Vikings - Volume I (2005), Miklagard - The History of the Vikings - Volume II (2007) y Arise: From Ginnungagap to Ragnarok - History of the Vikings, Vol. III (2009), conforman tres trabajos muy pesados y repetitivos. Excesivamente largos y muy poco interesantes.
Llegados a 2012, y con la salida de Uwe Lulis, Simone Wenzel (guitarra) y Gerd Lücking (batería), Rebellion se reforman bajo el liderazgo de Tomi Göttlich y Michael Seifert y la llegada de Oliver Geibig (guitarra), Stephan Karut (guitarra) y Matthias Karle (batería) dando vida a un nuevo trabajo conceptual. Esta vez para contar historias germanas.
Arminius: Furor Teutonicus supone el primer disco sin Lulis en las guitarras y me ha sorprendido lo poco que se nota. Esto me reafirma en el daño que han hecho los "vikingos" a Rebellion.
Un álbum continuista con la idea con la que nació la banda; sonido, estructuras de los temas, riffs que firmaría el propio Lulis y un aroma que recuerda a Grave Digger en muchos temas (la voz de Michael Seifert se parece cada vez mas a la de Chris Boltendahl).
Sin ser un gran disco, si logra cortar la hemorragia que desangraba a la banda y que ha costado la "vida" a tres de sus ya, ex miembros.
Temas como Ala Germanica, Vae Victis, Varus (muy Grave Digger), Furor Teutonicus, The Tribes United, Ghost of Freedom o Dusk Awaiting Dawn (de lo mejor del álbum) son de lo mas destacable y dejan claro las intenciones de la banda. Temas correctamente ambientados. Estructuras típicas del genero y de la banda.
No hay una evolución significativa, mas bien diría que existe una cierta regresión musical que estabiliza y recupera la idea inicial de la banda, antes de sucumbir a los vikingos.

En definitiva, un trabajo que devuelve a Rebellion a un plano mas adecuado a su estatus. Que recupera señas de identidad, sin perder el norte y haciendo un disco que por lo menos, y no es poco, no aburre.
Lo que podría ser una muy mala noticia, como fue la salida de Uwe Lulis, seguro que ha sido lo mejor para la banda.
Por otro lado, el álbum es muy continuista y conservador y no arriesga absolutamente nada. Caminando sobre seguro, lo cual les puede servir en un futuro. Veremos.

Decir que este año también a visto la luz un álbum que recoge "lo mejor" de la trilogía vikinga; The Best of Viking History, solo disponible en formato digital a traves de tiendas online. Un disco que claramente cierra una etapa.

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Doro - Raise Your Fist

La alemana mas conocida del metal, Dorothee Pesch, aquella que por 1981 grababa las primeras canciones de Beast, para dos años después cambiar su nombre por el de Warlock. Aquella mítica banda germana donde cantaba una "tía". Que nos dejó cuatro buenos álbumes y comenzó a forjar el mito en que se ha convertido Doro. Hablar de mujer en el metal, es hablar de Doro.
Hoy en día, seguramente deben de existir millones de bandas donde una o varias componentes son del sexo femenino, pero hace un par de décadas, pocas eran las féminas que se adentraban en un mundo totalmente masculino. Y sobre todo con el peso especifico de toda una banda recayendo sobre ella. Por lo tanto podemos decir que Doro fue pionera y referencia para cualquier mujer que gustase de interpretar música metal.
Visto desde la perspectiva de un hombre, la figura de Doro siempre a evocado, porque no decirlo, fantasías sexuales. Veíamos (o vemos) a la vocalista de un grupo, vestida de cuero, marcando curvas y luciendo su melena rubia al viento, que lógicamente nuestras hormonas reaccionaban a aquellos estímulos visuales. Difícil de olvidar el famoso video de Warlock; All we are.

Pues casi llegando a la cincuentena, y la edad no perdona y se nota en la voz. La señora Doro nos presenta su décimo primer trabajo de estudio, titulado Raise your fist.
Bien, vamos por partes. Si por una cosa se puede definir a Doro, es por su compromiso hacia el Heavy metal mas clásico. Desde su imagen a su puesta en escena y en las composiciones y letras de muchos de sus temas. Si bien es cierto que varios de sus trabajos contienen temas que coquetean o entran de lleno en variantes de otros estilos, creando composiciones mas modernas y alejadas del metal mas clásico. Lo que hace que en sus discos se encuentre una cierta variedad de temas, lo cual creo que beneficia al trabajo.
Lo que encontramos en Raise your fist es sencillez. Desde la producción, bastante sencillita y sin excesivos alardes. Dada la variedad de los distintos temas, se amolda bien a los diferentes tipos de sonidos en cada tema, pero como digo, sin excesos. Sencillez en los temas. A pesar de la variedad, todas las composiciones son bastante básicas, con muy pocos arreglos y con estructuras de verso corto y llegada al estribillo lo mas rápidamente posible. Aquí entra la capacidad compositiva de la propia Doro y la ejecución musical de la banda, que también deja patente bastante sencillez.
En cuanto a temas, tenemos por un lado las composiciones mas clásicas como la inicial Raise Your Fist in the Air, típico himno de Doro, creada para el directo y que vive de su estribillo. Take No Prisoner, un tema muy teutón, muy a lo Warlock. Rápido y directo. Grab the Bull (Last Man Standing), un medio tiempo en forma de himno, donde en su parte final se hace notar y de que manera, uno de los invitados del álbum; el líder de Firewind, Gus G. Revenge, es un tema power, donde Doro se deja la voz. Potente y buen estribillo.
Luego tenemos temas mas "modernos", que se salen del estereotipo del metal mas clásico como Rock Till Death, Coldhearted Lover, este con un aire rock setentero aunque sonando algo desfasado. Victory, un tema con un aire discotequero y bailable. Luego encontramos tres baladas, que fieles a su cita, no fallan en este nuevo álbum. Free My Heart, Engel y It Still Hurts, donde encontramos la otra colaboración del disco. Como ya hiciera UDO con Doro en su álbum Man and Machine (2002) en el tema Dancing with an Angel, en una parodia de la Bella y la Bestia, aquí es Doro la que se hace acompañar del incombustible Lemmy Kilmister.
Cierra el álbum un emotivo homenaje a Ronnie James Dio con el tema Hero.

Album variado que no llega a cansar, aunque se tiene la sensación de montaña rusa. En un momento estas arriba con un subidón y de repente bajas para volver nuevamente a subir. Trabajo sencillo y con las expectativas de agradar, aunque no siempre lo consigue.

PD: Que alguien le diga que debería estar orgullosa de sus 48 años y que dejen de dibujarla como una de 25 en las últimas portadas de sus discos.


Raise your fist in the air!!!

7

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Grave Digger - Clash Of The Gods

El décimo quinto trabajo de los alemanes Grave Digger, titulado Clash of the Gods, devuelve a la banda a la actualidad. Esta vez el concepto elegido es la mitología griega. Bajo esta premisa, ya típica en los trabajos de los germanos, se nos presenta un álbum continuista.
Después de la famosa trilogia medieval (Tunes of War (1996), Knights of the Cross (1998), Excalibur (1999), la cual dio justa fama a la banda) y la salida de la banda del guitarrista Uwe Lulis, Grave Digger entró en una dinamica descendente clarísima. Trabajos muy por debajo de las expectativas y posibilidades que la banda había demostrado. Quizás se podría hacer una excepción con los discos The Grave Digger (2001) y Rheingold (2003), dos trabajos que, si bien no en su totalidad pueden ser considerados como excelentes discos, si que parcialmente, dejaban muestras de brillantez. Tras estas dos excepciones; la oscuridad. Mediocridad, hastío musical, falta de brillantez, y lo mas preocupante, la falta de estabilidad, con una parte fundamental (en toda banda) sobretodo en Grave Digger: la guitarra.
Idas y venidas. Ahora un guitarra, ahora dos, para acabar por traer uno nuevo. Todos estos problemas afectan a la música de la banda y se nota.
Una de las preguntas que me hago al escuchar un nuevo álbum de Grave Digger es ¿que mas da quien toque la guitarra, si siempre suena igual y siempre hacen lo mismo?
Queda claro que la aportación de Axel "Ironfinger" Ritt no es diferente a la de otros guitarras que ha tenido la banda desde la salida de Uwe Lulis. Buena técnica individual (faltaría más) pero nula aportación. Mismos riffs y esos armónicos tan característicos. Imagino que siguiendo los designios del líder indiscutible Chris Boltendahl (cuídate esa voz Chris).
Centrándonos en el álbum, se confirma que Grave Digger han suavizado un tanto su sonido. Ya no suenan demoledores como antaño. La guitarra despide un sonido bastante clásico, recordando los inicios de la banda en algún momento. Una vez mas, seguimos encontrando riffs tipiquisimos de la banda y del genero en cuestión.
Sobretodo en la primera parte del álbum, los teclados tienen una presencia bastante marcada, con unos sonidos bastante peculiares.
La base rítmica sigue siendo de lo mejorcito de la banda. El trabajo de Jens Becker al bajo y Stefan Arnold a la batería es de notable. Sencillez y eficacia.
En cuanto a los temas, se pueden destacar la inicial God of Terror, tipiquisimo tema con unos teclados variopintos. Walls of Sorrow, otro típico riff con bastantes armónicos y un estribillo bastante bueno. Warriors Revenge, un tema que por momentos recuerda viejos tiempos. Riff de guitarra con denominación de origen, buen estribillo y una base rítmica estupenda. Home at Last, puede recordar a Rage en su riff inicial y cuenta con un estribillo bastante festivo. Call of the Sirens, sin ser mal tema, queda afeado por su similitud (o copia) con el mítico The Keepers of Holy Grail y el estribillo casi copia al de Twilight of the Gods de su álbum Rheingold. Una pena.

En fin, un álbum, otra vez, que gustara a fans, o a los menos exigentes, pero que sigue sin aportar nada a su carrera. La banda se ha estancado completamente en una manera de hacer, en una manera de sonar y de esta manera es muy difícil salir del cajón donde se encuentran. Sin evolución se produce el estancamiento y cuando te estancas, poco se tarda en morir. Es una pena que una banda que se hizo grande a finales de los 90 a base de trabajo y de unos álbumes de gran factura, se vea arrastrada a la perdición sin saber poner freno.
Se podría decir que Grave Digger agoniza. Veremos lo que tarda en morir.

6

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Tankard - A Girl Called Cerveza

Los alemanes Tankard presentan su nuevo álbum, el décimo quinto, titulado A Girl Called Cerveza.
Junto con la escena norteamericana, la historia del Thrash Metal se escribe también en Europa, primordialmente en Alemania. A los denominados "3 grandes" del Thrash alemán; Kreator, Sodom y Destruction se les podría añadir Tankard.
A diferencia de las bandas americanas, el Thrash alemán se caracteriza por una influencia mucho mas palpable de la NWOBHM y no tanto por el Punk. Aunque bandas como Sodom o Kreator volvieron su sonido algo mas oscuro, con voces muy rasgadas y afiladas y sus letras comenzaron a hablar sobre satanismo, lo cual supuso una influencia para bandas que practicaban Black o Death Metal.
Tankard siempre se ha diferenciado de otras bandas por una apuesta mas "melódica" y sobretodo mas cachonda. Tanto sus letras, como portadas siempre han llevado un punto bastante cómico y divertido. Una música mas sencilla y de bastante fácil asimilación. Y por una devoción (como buenos alemanes) a la cerveza (como recuerdo, siendo un adolescente, ver aquel mítico video; Space Beer).

Carmen Conchita Cerveza nos introduce en el álbum que celebra, nada mas y nada menos, que el 30 aniversario de la banda. La mejor definición para el disco es decir que es Tankard 100%. El trabajo se mueve dentro de los parámetros ya conocidos por los seguidores de la banda. Temas rápidos, muchas melodías, riffs muy clásicos, la mítica voz de Gerre, los coros de siempre y el cierto aire festivo que Tankard pone en sus temas.
No se si intencionadamente, pero el disco suena un tanto pasado, como grabado en otra década. Muy clásico. Las guitarras raspan bastante y la batería no acaba de sonar nítida. No sabría decir si es una mala producción o es algo hecho a conciencia para sonar exactamente así. La verdad es que a mi ya me esta bien así, pero la duda existe.
Los temas destacables son; Son of a Fridge, Witchhunt 2.0, A Girl Called Cerveza, Running on Fumes o la inicial y bastante heavy Rapid Fire (A Tyrant's Elegy). En el tema The Metal Lady Boy encontramos la colaboración de la reina del metal alemán, nada mas y nada menos que Doro Pesch.

Dice la canción "que veinte años no es nada" así que 30 es un poco mas que nada. La verdad es que les debe de parecer ayer cuando debutaban con aquel fantástico Zombie Attack (1986) (con aquella maravilla de portada). Pero los años pasan y Tankard han resistido y sacado álbumes siempre tratando de aportar un buen rato de diversión escuchando música.
Un trabajo que sigue una linea continuista, lo cual en este caso no creo que sea del todo malo. Tankard es una de esas bandas que lo que ves es lo que hay. Simple, directa y cachonda. Renunciar a esto seria renegar de ellos mismos. Cada cual tiene su espacio en un mundo tan masificado.

Buenos seguidores de la cerveza y del fútbol!!! Su equipo, el Eintracht Frankfurt ha vuelto a la Bundesliga después de un "añito en el infierno". En 2006 le dedicaron el EP: Schwarz-weiß wie Schnee, con actuación en el estadio incluida.
2012 será un gran año para los cerveceros Tankard.

I Love Cerveza!!!

7

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Testament - Dark Roots Of Earth

Corrían los primeros años de la década de los 80. En San Francisco, California, se comenzaba a gestar una nueva escena musical, mas tarde conocida como Bay Area. Bay Area hacia referencia a una serie de bandas formadas en San Francisco que comenzaron a dar forma a un nuevo estilo, mas tarde conocido como Thrash Metal. La Bay Area se puede separar en dos oleadas. En la primera, llegan bandas como Metallica (formada inicialmente en Los Angeles, no es hasta su llegada a San Francisco, junto con la entrada en la banda de Kirk Hammett y Cliff Burton, cuando la banda despega definitivamente), Exodus, Lääz Rockit, Slayer, y Possessed (su disco Seven Churches (1985) es considerado el primer álbum en mezclar Thrash con un nuevo estilo, mas tarde conocido por Death Metal). Estas primeras bandas dejan patentes sus influencias. La New Wave of British Heavy Metal, sobretodo en las melodías vocales y el Punk (mucho mas patente en la escena de New York),  eran la base de aquellas bandas que formarían un nuevo estilo. Con la segunda oleada,  el sonido de las "nuevas" bandas cambia. Grupos como Testament, Forbidden, Heathen y Death Angel. Las canciones de estas bandas comienzan a ser mas largas y mas complejas en sus estructuras. Guitarras mas virtuosas y con un sonido neo-clásico. La influencia de la NWOBHM se hacia mas patente y el Punk desaparecía casi por completo de las composiciones.

Después de hacer un poco de historia, nos vamos a quedar con una de esas bandas. Testament, pionera de aquella segunda ola, y por lo tanto del cambio en el estilo mas "primitivo" por aquel sonido mas virtuoso y mas alejado de la sencillez punk.
Formados como Legacy en 1983 con Steve "Zetro" Souza (Exodus) en las labores de cantante, no es hasta 1986 cuando, ya como Testament, Chuck Billy se convierte en vocalista de la banda.
En 1987 se produce su debut discografico con The Legacy, uno de los mejores trabajos de su carrera. Y que muestra el claro cambio dentro del estilo que aquella segunda ola proponía.
Si hay una banda luchadora esa es Testament. Siempre bastante fieles a un estilo propio. A pesar de algún álbum que coqueteaba con otros estilos, sobretodo durante los 90, la banda siempre se ha movido dentro de su estilo y de una manera de hacer muy particular.
Dark Roots Of Earth supone el décimo primer trabajo de los sanfranciscanos. Un álbum muy trabajado, desde sus temas hasta su sonido. Este, muy cuidado, agresivo sin sonar abrupto, y destacando muy bien las melodías de guitarra haciendo el global muy homogéneo.
El álbum se mueve en una corriente clásica pero sin sonar pasados. La influencia de la NWOBHM se hace patente en muchas partes del disco, con bastantes melodías, tanto de guitarra como vocales.
Chuck Billy parece estar en plena forma y totalmente recuperado del cáncer que se le diagnostico en 2002. Su voz, inconfundible y algo mas ronca en ocasiones, demuestra su experiencia y buen hacer en todos los temas.
Muy destacable también el trabajo de Alex Skolnick. Un magnifico guitarrista bastante infravalorado y que en este trabajo demuestra mucha versatilidad y un gran manejo de su instrumento, regalando muchas y muy buenas melodías, riffs y solos.
Como temas destacables tenemos; el bastante Hardcore True American Hate. La potente Rise Up. La extensa Throne of Thorns, un tema variado y de mucha calidad. De lo mejor del álbum. La clásica Man Kills Mankind, Testament 100%. Native Blood, otro magnifico tema donde destaca el trabajo de uno de los dos baterías de sesión que han grabado el disco (no he podido averiguar quien toca cada tema. En el video de la canción en cuestión, se sienta tras los bombos Gene Hoglan, el cual ya había tocado en el álbum Demonic (1997), por lo que me inclino hacia él) Chris Adler y Gene Hoglan.
La edición especial del álbum incluye 4 temas extras. Tres versiones; Dragon Attack (Queen), Animal Magnetism (Scorpions) y Powerslave (Iron Maiden) y una version extendida del tema Throne of Thorns.

Muy buen trabajo de los americanos Testament. Una banda luchadora como pocas y posiblemente algo subestimada. El hecho de no pertenecer a los denominados "4 grandes" parece ser que hace que se caiga en un cierto olvido. Testament es una de las bandas mas importantes del género que nos ocupa y merece todo el respeto y admiración.

8

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Master of Puppets; Oro en su género

Con un apabullante 80% de los votos; Master of Puppets de Metallica, consigue el oro como mejor disco de Thrash Metal. La plata y el bronce quedan empatados entre Reign in Blood de Slayer y Rust in Peace de Megadeth, los dos con el 60% de los votos.

Gracias por participar.

La encuesta de Agosto se trata de elegir a los tres mejores baterías, o a nuestros favoritos. En la lista, seguramente falten algunos, pero creo que están los mas conocidos.

Recordad que debéis votar tres veces.

Gracias.

Devilsoldier \m/ 

Zarpa - Las Puertas Del Tiempo

Los valencianos Zarpa vuelven al ataque con un nuevo álbum titulado Las Puertas del Tiempo.

Vicente Feijóo y el ex-Sable Rafael Játiva son las cabezas visibles de los renacidos Zarpa. Gracias a su unión, la banda se refundo en el año 1999 y hasta el día de hoy continúan en la brecha. Pasando eso sí, con mas pena que gloria. Tristemente esto es así. Sobre todo en este país, se sigue con la idea de que lo de fuera suele ser mejor que lo de aquí. Aunque no abunden bandas de calidad, haberlas haylas, como dirían por Galicia. Zarpa es una de esas bandas. La cual ya hace unos años tuvo que salir a buscarse el pan, fuera de España. El sello alemán Karthago Records (al cual dedican el tema Karthago) amplió su catalogo con la música de Zarpa, acertando totalmente.

Las Puertas Del Tiempo ofrece Heavy Metal sin pretensiones. Temas variados, que beben de lo tradicional sin sonar añejos. El sonido de la banda es bastante fresco, potente y bastante acorde con los tiempos que corren.

Los temas cuentan con una muy sólida base rítmica a cargo del bajista Vicente Romero y el batería Bienvenido Godoy; el cual hace un trabajo muy destacable en la percusión, con una utilización del doble bombo bastante creativa.

El álbum sigue la linea marcada ya en sus últimos trabajos. Lo mostrado en Iberia, tiene aquí su continuidad.

Buenos temas como "Trovador / Trovador Eléctrico"; con una ambientación y arreglos muy conseguidos.

El tributo a Ronnie James Dio; "El Duende se Fue". La potente e himno "Esto Es Heavy Metal" (no dejéis de ver el buen videoclip que han hecho del tema), que para quien no sepa de que va esto del Heavy Metal, su letra lo explica bastante bien. "Prisioneros de un Mundo Letal" donde destacan las melodías de guitarra y el trabajo de Bienve en la batería. La inicial "Rescátame"; un tema excelente para abrir. Melodías muy clásicas y estribillo facilón. La épica "Karthago". "Demonios en tu Cabeza", tema bastante potente, cercano al Power. La buena balada "En Soledad". Y la cañera "Chicas del Metal". Hacen de Las Puertas Del Tiempo un muy buen disco de Heavy Metal.

Si una pega le pondría, no solo ha este trabajo, si no en sus últimos discos, es su excesiva duración. Muchos temas y discos un tanto largos, que hacen enturbiar un tanto la experiencia. Por lo demás, poco se puede objetar a una banda luchadora y valiente que hacen resaltar la calidad del metal hecho en España, consiguiendo un producto perfectamente exportable y seguramente mucho mas valorado fuera de nuestras fronteras.

Nuevo trabajo de una vieja banda, para nada anclada en el pasado y mirando al futuro con optimismo. Una banda que perdurara solo por mirar hacia delante y no por querer reverdecer viejos laureles, que el tiempo ha demostrado que forman parte de un pasado no del todo glorioso.

Detrás de toda estética

está el sentimiento de un auténtico rebelde

es más que solo música

¿sabes que es? esto es heavy metal

    (Esto es heavy metal, Las Puertas Del Tiempo, 2012)

8

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Sobredosis - Angel Negro

Los madrileños Sobredosis, después de 27 años desde su ultima grabación, presentan Angel Negro, el cual, significa su tercer trabajo de estudio.

Sobredosis, como tantas y tantas bandas nacionales de los 80, solo grabaron dos álbumes; Caliente como un Volcán (1984) y Sangre Joven (1985), los dos trabajos producidos por Fortu de Obús y en el segundo se unió Francisco Laguna también componente de Obús.

Exceptuando a Obús y obviamente a Barón Rojo y quizás a Zarpa (unos auténticos ignorados y desconocidos en los 80) Panzer y Angeles del Infierno (los cuales tuvieron que emigrar), el Heavy/Rock español de los 80 esta plagado de cientos de bandas que como mucho llegaron a grabar dos álbumes, llegando algunas al tercero tocadas de muerte y casi todas ellas al amparo de miembros de Barón Rojo y Obús haciendo un trabajo pésimo, en la mayoría de los casos, como productores.

Goliath, Zepo, Rigor Mortis, Banzai, Santa, Sparto, Zeus, Triton, Tarzen, Thor, Tigres, Bruque, Bella Bestia, Zero, Crom, Evo y los propios Sobredosis son algunos ejemplos. Queda clarísimo que la moda generalizada por el Heavy Metal, en este país arraigo bastante fuerte y quedó comprendida entre el año 1982 hasta 1987/88 mas o menos. En cuanto el interés del gran publico se acabó, todas estas bandas desaparecieron como por arte de magia, como dinosaurios de la faz de la tierra.

Soy bastante critico con esto, pues me da la sensación de que nos toman el pelo a los que, como yo, escuchamos metal desde la adolescencia y hemos visto bandas sobreviviendo, luchando por una creencia y aguantando, y da igual que sean nacionales o no. El metal y la música son universales.

Y ahora llegan bandas que hace casi 30 años que nadie sabia absolutamente nada de ellas, como Evo y Sobredosis, y ahora que existe una escena donde se valora lo clásico, claro, ahora se levantan todos de sus tumbas y se suman al carro de la desesperación. Cuando desaparecieron, a finales de los 80, era imposible continuar y ahora, en plena crisis mundial, si lo es, por mucho que hoy en día sea mas fácil y barato grabarse un álbum. Pues no me lo creo, lo siento. Tiempo al tiempo.

Decir que en Angel Negro solo sobreviven dos miembros de los antiguos Sobredosis. La voz Santiago Alonso "Sasa" y el bajista Salvador Narváez y se unen a la aventura; los guitarras José Casado y Tony García y el nuevo batería de Avulsed; Óscar Bravo.

Musicalmente, pues poco cambio. El disco sigue la orientación propuesta hace casi 30 años. Heavy/Rock de la época, que gustara a nostálgicos, con temas como Esclavo, Grita, Si piensas pagas, Ultimo cartucho o Soñare despierto.

Cuentan con un sonido sencillo, bastante tradicional sin sonar excesivamente anticuado, pero algo plano y bastante mejorable.

37 minutos de disco, que devuelven al oyente a una época de luces y sombras, donde Sobredosis rescatan del baúl de los recuerdos temas que podrían pasar por ser de aquella época sin problemas. Este trabajo podría haber salido en 1986 perfectamente. Sale en 2012 y sus razones tendrán. Ahora la pregunta es: Hasta cuando?

5

Metal Archives

Herman Frank - Right In The Guts

Por si alguien no conoce a este guitarrista, vamos a presentar a Herman Frank. Guitarrista alemán. Ha formado parte de Victory desde 1986 hasta la actualidad. Formó la banda Moon' Doc. Tocó con Sinner. Con Accept desde 1982 hasta el 84 para volver en 2005 y regresar por todo lo alto en 2009 hasta hoy día.

También ha producido a bandas como Messiah's Kiss, Saxon o Rose Tattoo.

En 2009 apareció su primer trabajo en solitario titulado Loyal to None, el cual me dejó muy buen sabor de boca. Ahora aparece su segundo álbum; Right in the Guts. En este nuevo trabajo se incorporan el guitarra Mamalitsidis Cristos, el batería Michael Wolpers y el vocalista Rick Altzi (At Vance, Sandalinas, Thunderstone), que se unen al ex-bajista de Running Wild; Peter Pichl y al propio Herman.

Pasada la fiebre de bandas germanas de principios de siglo XXI, la verdad es que las bandas alemanas o bandas que recogen aquel legado de pioneros como Rage, Helloween o Running Wild han perdido presencia en la escena actual. Relegados por esa vuelta a las raíces mas tradicionales, por las constantes mezclas de diferentes estilos y el éxito de las bandas escandinavas, lo cierto es que es un estilo en cierto desuso, siendo abanderado por las bandas sobrevivientes y no en todos los casos.

Pues Herman Frank nos trae un álbum de puro metal germano. Un trabajo que respira aroma clásico, y a la vez sonando muy frescos. Nos devuelve clichés del genero como las melodías de guitarra, la batería veloz de doble bombo, típicas melodías vocales y riffs de siempre. Hard Heavy metal alemán tradicional.

Buen acierto fichar a Rick Altzi, el cual con su voz, mediando entre el Hard Rock y el Heavy (me recuerda bastante al gran Jeff Scott Soto), consigue adaptarse a los temas y dotarlos de garra y buenas interpretaciones.

En cuanto a los temas, pues canciones cortas y en su mayoría bastante directas. Las veloces Lights Are Out, Ivory Gate, Roaring Thunder, Waiting y Starlight, esta última muy a lo Accept. Medios tiempos muy sólidos como Right in Your Guts, Raise Your Hand y Kings Call junto con uno de los mejores temas del álbum; Hell Isn't Far, hacen de este trabajo una buena colección de himnos que hacen traer al recuerdo los buenos tiempos de bandas como Accept, Running Wild, Axel Rudi Pell, Victory, etc...

Muy buen segundo trabajo de Herman Frank, el cual reafirma su buen momento viendo lo que hace con Accept. Un repaso a un estilo un tanto dejado atrás y que para algunos (entre los que me incluyo) significó el principio de una andadura metálica y de muy agradables recuerdos. Poniéndolo de nuevo de actualidad con un sonido fresco y unos temas muy dinámicos.

German Metal is Back!!!

8

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Luca Turilli's Rhapsody - Ascending To Infinity

En 2011, Luca Turilli y Alex Staropoli deciden dividir sus fuerzas y coexistir con dos Rhapsody en el panorama musical.

Luca Turilli decidió bautizar a su banda con el original nombre de Luca Turilli's Rhapsody, donde en el logo queda clara cual era la intención: un enorme Rhapsody y arriba, muy pequeñito, Luca Turilli's.

Acompañado por los ex-Rhapsody of Fire; Patrice Guers (bajo) y Dominique Leurquin (guitarra en directo) y los fichajes de Alex Landenburg (ex Annihilator o Axxis y actual batería de Mekong Delta) (decir que la batería en el álbum la ha grabado Alex Holzwarth, también miembro de Rhapsody of Fire) y del magnifico Alessandro Conti (Trick or Treat) en las voces, Luca no ha perdido el tiempo y nos presenta su primer trabajo: Ascending To Infinity.

Con este nuevo proyecto, Luca pretende comenzar de cero y nos lo presenta como el "nacimiento del sonido cinemático". Queda claro al escuchar el álbum que por ahí van los tiros. Composiciones grandilocuentes con mucha carga orquestal y estructuras mas propias de las bandas sonoras del cine que de la música metal.

Melodías que llegan desde cualquier parte, cambios de tempo y ritmo constantes, coros grandilocuentes. Todo ello con una base muy orquestal que se entremezcla con guitarras, bajo, batería y voces de muy distinta naturaleza.

Cantar en este álbum es todo un reto y ese reto recae en Alessandro Conti, el cual demuestra su extraordinaria calidad y sus estudios como tenor (cursó sus estudios de canto en la Corale Lirica Rossini de Modena, Italia, donde estudio un tal Luciano Pavarotti.), superando la prueba con creces y demostrando que su fichaje para este proyecto es fruto de su calidad y todo un acierto por parte de Luca.

En cuanto a nivel compositivo, no hay mucho que decir. La verdad es que hay que quitarse el sombrero delante del trabajo de Luca una vez mas. Temas difíciles de ejecutar y muy cuidados, muy arreglados, preciosistas diría yo. Un gran trabajo compositivo, con un preciso trabajo de producción que hacen que la globalidad de la obra rebose calidad.

El punto, para mi, discordante, recae en la excesiva pomposidad de los temas. A diferencia de Rhapsody (sobretodo sus primeros trabajos) estas composiciones son demasiado excesivas, demasiado cercanas a la música operística, lo cual no me parece, en absoluto, nada malo, mas bien todo lo contrario, pero puede repeler un tanto al oyente mas metálico. Los primeros trabajos de Rhapsody, tenían todo ese componente barroco, pero se mezclaban con la parte eléctrica del asunto y se engrandecía con estribillos fantásticos que forman parte del recuerdo de todos.

Entre los temas destacan la cinemática y coristica Dante's Inferno. El extenso Excalibur, poseedor de un buen estribillo. El tema que da titulo: Ascending to Infinity, la canción que mas puede recordar a Rhapsody. La semi-balada Luna (versión del tenor italiano Alessandro Safina), donde destaca una soberbia interpretación de Alessandro. Y en una de las ediciones del álbum, se adjunta una fantástica version del March of Time de Helloween (como no), donde Alessandro muestra sus dotes mas metálicas, rindiendo homenaje al gran Kiske del 88. Un tema bastante complicado, que exige al vocalista, obligándole a llegar y mantener notas muy altas y demostrar una gran técnica.

En definitiva, un trabajo de una gran calidad a nivel técnico y compositivo. Lo cual, encierra lo positivo y negativo del álbum. Temas de una altísima calidad musical que repercute, a veces excesivamente, en el sonido mas metálico de la banda.

7

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